Durante el sueño convencional somos personajes de Pirandello insertos en un escenario paradójico descrito por Kafka: las escenas se desarrollan sin aparente ilación y, aunque reconozcamos argumentos y personas, la sensación con la que despierta el soñante es que su mente ha intentado dar coherencia a una sucesión de recuerdos, frustraciones, anhelos y planes futuros mezclados al azar, desafiando la sucesión temporal, la física y la lógica que rigen el estado de conciencia convencional, uno más de los muchos disponibles.

El sueño lúcido es mucho más interesante. El soñante ya no es un títere a merced de los delirios de un dramaturgo demente sino el guionista de su propio sueño: en un determinado momento del sueño se enciende la luz de la conciencia e ilumina las tinieblas del sueño. El protagonista puede entonces recrearse en una situación o evitarla, lanzarse a volar desde un acantilado o convertir a sus interlocutores en trasuntos de dibus. Lo más complicado del sueño lúcido es mantenerlo: el cerebro detecta que existe una incongruencia –un “fallo en Matrix”- y tiende a despertarse, deshaciendo la magia.

La esperada nueva película de Christopher Nolan “El origen” (“Incepcion”) juega con las posibilidades del sueño lúcido. El protagonista, Dom Cobb (Di Caprio), y su equipo de expertos en sueños deben infiltrarse en un sueño y sembrar ahí una idea, ejecutando una suerte de “crimen perfecto”. La película incorpora también una intrigante posibilidad: el sueño colectivo compartido, que algunos tratan de lograr en sueños y otros a golpe de tecnología.

Seguramente “El origen” sea un estupenda película de ciencia-ficción, pero dudo que alcance la profundidad filosófica de “Waking Life”, la alucinante película de animación que Ricard Linklater (“Antes del amanecer”) rodó en 2001. “Waking Life” es un sueño lúcido en el que se habla entre otras cosas de sueños lúcidos, un brillante retruécano que el guión resuelve no sin una nada desdeñable dosis de pedantería.

Algunos consejos para conseguir y mantener el sueño lúcido, según mi propia experiencia y las recomendaciones que da la psicóloga Consuelo Barea en su libro “El sueño lúcido”, el único escrito en español, que yo sepa, sobre este fascinante tema:

-Los mejores momentos para lograr el sueño lúcido son en los primeros momentos que caemos en el sueño y por la mañana, en esos sueños residuales que aparecen cuando nos concedemos unos minutos de regalo en la cama, antes de ponernos en marcha.

-Como consecuencia de lo anterior, el peor enemigo del sueño lúcido (y del propio acto de soñar) es el despertador. Ya sé que ese infame artilugio es necesario para mantener en funcionamiento nuestro actual sistema de producción pero, si quieres soñar lúcidamente, intenta desconectarlo siempre que puedas.

-Existen técnicas para distinguir el sueño lúcido de la realidad. En caso de duda, intenta encender la luz, mirar el reloj (truco de “Waking Life”) o intentar apoyar las manos y darte impulso hacia arriba, como si trataras de subir a un poyete.

-También hay determinadas músicas que inducen el sueño lúcido y puedes escuchar antes de ir a dormir. En YouTube bajo la etiqueta de “ondas cerebrales Theta” hay unos cuantos vídeos.

-Aunque pongas a trabajar todos los puntos explicados hasta aquí tampoco conviene obsesionarse con alcanzar el sueño lúcido. Insistir en perseguirlo es como perseguir el conejo blanco de Alicia: cuanto más corras menos posibilidades de atraparle.

Más sobre el sueño lúcido, aquí, y sobre “El origen”, aquí.

Una de las frases favoritas de algunos de los directivos más longevos de discográficas, estudios de cine, productoras de televisión y sociedades de gestión colectiva que empiezan con S y terminan con E:

Una descarga equivale a una venta menos

¿Lo es? De buenas a primeras “suena lógico”, una persona que entra a internet, abre su programa favorito de P2P y se descarga el último disco de su banda/artista preferida en menos de 20 minutos, está disfrutando de la música y cualquier necesidad de ir por el disco se desvanece.

Pero que suene lógico no significa que lo sea, tampoco significa es que es una realidad. La mejor forma de entender por qué una descarga no equivale a una venta menos es mirar al pasado y analizar la forma en que hemos interactuado con la cultura a lo largo de los años:

En la década de los setentas y de los ochentas era la cosa más normal del mundo el grabar cintas (cassettes) con música de discos de vinil y luego CDs de nuestros amigos, también era normal intercambiar estas cintas e inclusive los mismos discos. ¿Por qué voy a comprar el CD si ya tengo la grabación en un cassette, gratis? No se diga con la música que grabábamos de la radio. También sucede lo mismo con los VHS y las películas que pasan en TV, era práctica habitual el grabarlas y después verlas o prestárselas a los amigos/familiares. Una venta menos, ¿no?

No necesariamente. La industria usa las “ventajas del formato físico” como excusa/motivo para que los usuarios sí compraban la música aunque ya la tuvieran grabada, es decir:

• Más calidad: un CD tiene mejor calidad que un cassette o un VHS grabado de la TV tiene menos calidad que un original.
• Comodidad: un CD es un formato más cómodo que el cassette.

¿Pero realmente nos importaba la calidad? Después de todo, la gran mayoría de las personas ya escuchan música en el radio y ya ven películas en la TV donde la calidad no era precisamente la mejor.

La verdad es que a la gran mayoría de las personas la calidad le importa poco o nada. La gran mayoría de las personas escuchaban música de mala calidad por medio de una grabación hecha en un equipo de sonido barato. De la misma forma en que hoy no nos importa ver videos en YouTube con una compresión de mierda, durante años escuchamos MP3 mal encodeados y hoy es normal que un sector de la población (descritos como “jóvenes y adolescentes”) vean videos de música en una pantalla de 2 x 2 pulgadas de su teléfono móvil (ojo, no dije “smartphone”).

Aún así, en los setentas y los ochentas, con ese tráfico de cultura (música, video, películas) en formatos análogos, la venta de música seguía estando por los cielos. Los LPs y después los CDs se vendieron como pan caliente. La industria era feliz, MTV era feliz y los padres no eran felices porque sus hijos gastaban 14,99 dólares por cada disco que el niño quería.

¿Por qué? Porque tenemos más contacto con la cultura que nos rodea. Al escuchar más música, al ver más videos, al ver más películas nuestro “apetito cultural” aunmenta, se desarrolla y nos pide más. En los setentas y los ochentas la única forma de conseguir más era buscando el disco en una tienda de música o comprando la película en el Blockbuster.

Los tiempos avanzan, llega internet, aterriza Napster y la industria (junto a Lars Ulrich) se vuelve loca, se jala de los pelos, se da contra las paredes y gritan ¡¡escándalo!! — ¿Cuál es el miedo? Que “de repente” todos los clientes potenciales no necesitan ir a la casa del amigo para grabar la música en calidad cutre, simplemente hacen un clic y la canción está en el disco duro.

¿Pero eso hace una gran diferencia? Sí y no. Aunque ahora el internet tenga potencialmente todo el catálogo musical, de series de TV y películas que se han producido a lo largo de nuestra historia, nosotros seguimos teniendo el mismo tiempo para escucharla y/o consumirla, eso no ha cambiado. Cuando tenía 15 años y grababa cintas tenía cierta cantidad de tiempo para descubrir y escuchar la música que me gustaba. Hoy a mis 31 tengo la misma (o menos cantidad). La era digital no hizo el día de 48 horas.

Lo que sí ha cambiado (para pesar de la industria audiovisual) es esa necesidad cultural y la forma en que pretenden encontrarla: una tienda física ya no es suficiente porque el catálogo de música/películas está restringido a lo que la tienda tenga físicamente, a lo que las discográficas o los estudios emvíen/impriman. Hoy las personas buscan nichos, buscan cosas sumamente específicas y esperan encontrarlas. Los formatos físicos lamentablemente no pueden cubrir esa necesidad. Aún así, las discográficas y los estudios de grabación insisten en que tenemos que ir a comprar el Blu-Ray o el CD.

También está el tema de la disponibilidad (es decir: si aún les quedan discos o no). ¿Qué pasaba en los ochentas cuando el último disco de Michael Jackson se agotaba? Había que hacer filas en otros lugares o regresar a casa porque no había de otra. ¿Qué pasa hoy si el último de Miley Cirus se agota? Lo bajas de internet.

Si la industria de adapta a los tiempos, está comprobado que se puede dar un éxito comercial, lo vivimos hoy en día. Estados Unidos, uno de los países donde más descargas, en general, hay, es también el país con la tienda de música más exitosa de la historia, que no es Walmart, Virgin o Tower Records, es el iTunes Music Store que ha vendido más de 10 mil millones de canciones (dato de Febrero 2010).

Diez mil millones de canciones. De verdad. Hoy vivimos en una época donde hay una disponibilidad de cultura impresionante, omnipresente, y si le das a las personas las herramientas correctas, responderán de forma adecuada. iTunes es la forma más sencilla de comprar música hoy en día, por lo tanto tiene el éxito comercial que tiene y es una de las pruebas que descargar una canción no equivale a una venta menos.

Algunas personas de la Universidad Noruega BI estaban bastante curiosos con respecto a las personas que descargan música y cómo interactuan con la industria comercial, e hicieron un estudio conde encontraron que quienes tienen la costumbre de bajar música son quienes más compran música. Diez veces más. El estudio no se apoyó en la simple palabra de los entrevistados, quienes tuvieron que entregar los recibos de compra para comprobar que es cierto.

Una descarga equivale a 10 ventas.

El problema de la industria audiovisual no es el internet. Esa es su principal ventaja, el problema es que aún no se han dado cuenta que sus consumidores no están dispuestos a seguir comprando formatos físicos, a ir a tiendas o a dedicar tanto tiempo en adquirir cultura a precios tan altos.

Ben Folds improvisa en directo conectado con usuarios de Chatroulette. Foto de Alee Vestal-Laborde

La relación entre los creadores y el entorno digital de Internet se puede comparar a la relación entre los habitantes de las laderas de un volcán y el mismo volcán. Es un hecho natural que el suelo alrededor de los volcanes sea especialmente fértil. Por eso los habitantes de esos parajes conviven con el gigante dormido, incluso regresando a cultivar sus tierras al poco tiempo de las erupciones que se llevan sus casas y las vidas de sus amigos y parientes.

Las erupciones de los volcanes también son hechos naturales. No tienen categoría moral, por mucho que el mito diga que los espíritus de la caldera se aplacan alimentándola de de doncellas. Por esa razón el cálculo de vivir más cerca o más lejos del volcán es una decisión puramente pragmática. Que uno quiera cultivar las mejores tierras o prefiera alejarse a terrenos marginales pero más seguros es una decisión en la que no importan la ideología, la religión, la ética. Sólo la aceptación de que el mundo natural es como es, y si quiere uno vivir en él, quizá pueda modificarlo a su acomodo, pero sobre todo deberá uno adaptarse a sus circunstancias.

La metáfora del volcán es perfectamente aplicable a la creación en el entorno digital. La copia masiva y la creación de parodias y homenajes por parte del público no son, de por sí, ni buenas ni malas, ni todo lo contrario. Los homenajes y las parodias son la forma natural en la que la gente se relaciona con el arte. La copia masiva, como las erupciones de los volcanes o la fertilidad de las tierras abonadas por sus cenizas, no tiene categoría moral. Son hechos naturales, parte del nuevo medio ambiente cultural, y por tanto el sustrato de la nueva economía política del arte, la cultura y el entretenimiento.

La postura de los profesionales creativos de enrocarse en las viejas prácticas tiene poco futuro. La opción con visos de éxito consiste en hacerse nativos digitales y entender cómo funciona no ya la copia masiva, sino los demás mecanismos de interacción entre la cultura y su público, ahora convertido en gran remezlador y co-creador, y convivir con él.

Esto no sólo significa encontrar nuevos modelos de negocio, sino también nuevas prácticas creativas que involucren a ese antiguo público. Mal vamos si una revolución como esta nos lleva a un mundo en el que seguimos teniendo cantantes que sacan CDs y se ganan la vida con ello, sólo que en vez de vender los CDs sacan más pasta de los conciertos. O sea, lo mismo de siempre, pero moviendo los ceros de una columna a otra. Esta sería la revolución cultural imaginada por un contable, aunque no nos culpen: si en los periódicos los creadores sólo salen hablando de dinero, es normal que sólo les contestemos hablando de dinero.

La otra razón por la que es difícil definir tal revolución es que los cambios en los medios siempre se empiezan por describir en términos de los viejos medios. La tele empezó siendo radio televisada, y el cine teatro filmado, porque las personas que lo hacían tenían que empezar a partir de lo que conocían. El Renacimiento, la Ilustración, la Revolución Industrial y la Modernidad son consecuencias de ese invento con tan pobre ambición como es la imprenta de Gutenberg, un artilugio diseñado para imprimir biblias a bajo precio.

El entorno digital de las redes de comunicación también cambiará el arte, la cultura y el entretenimiento en formas que no podemos imaginar. Pensar de qué va a vivir cada artista es una precupación legítima, sobre todo para cada artista. Pero más interesante es empezar a investigar los orígenes de lo que serán las nuevas formas culturales de interacción entre “artistas” y “público” cuando todos seamos conscientes de que vivimos en las laderas de un volcán hecho de gente como nosotros, y que nuestro entorno tiene tanta capacidad de acción como cada uno de nosotros.

Como muestra, un botón. Hace apenas un par de meses debutó un sistema de charla en línea llamado Chatroulette. Uno se conecta, enciende la cámara de su ordenador, y se pone en contacto por video, audio y chat de texto con alguna persona de el otro lado del mundo. O del otro lado del pasillo, porque es un sistema puramente aleatorio y uno nunca sabe quién le va a tocar.

Como servicio, Chatroulette parece campo abonado para el sexo virtual o la charla inane Pero como sólo es un medio más, y la gente encuentra sus propios usos para las cosas, de estos mimbres aparentemente tan básicos empiezan a aparecer maravillosos cestos de esplendor más que oriental.

Un tipo llamado Merton decide tocar el piano un día cualquiera, y decide hacerlo en Chatroulette. Su sistema de chat consiste en hacer descripciones de la gente con quien se comunica. Si te encuentras con él, Merton canta sobre tí mientras toca el piano. Es hilarante aunque no sepas inglés. Si sabes inglés, no te pierdas el intercambio de “this girl is serious about her number three” (también conocido como “¡Motherfucking Three!” o “Making hands with her heart and hearts with her hands, just like I planned“:

Pinche aquí para ver el vídeo

No está mal como diálogo entre un artista y su público, ¿no? Pues hay más. Muchos se dieron cuenta de que este tipo se parecía a Ben Folds, y que tocaba y cantaba en el estilo de Ben Folds… hasta que la historia llegó a oídos de Ben Folds. Que decidió hacer una reparodia de Merton. En directo. En el escenario.

Pinche aquí para ver el vídeo

Ben Folds, interactuando con su público en directo, por medio de un homenaje a un músico desconocido y creador de una nueva nueva práctica musical consistente en interacciones musicales improvisadas con individuos anónimos escogidos aleatoriamente por un servicio de videochats de Internet. No se puede ser más postmoderno, ni tirar de más referencias enlazadas, ni ser más creativo. Y te ríes, y te emocionas, y disfrutas con la música.

Que no me vengan ahora a llorar con que Internet está matando a la cultura, y que si no conseguimos reducir Internet a un canal de televenta la cultura morirá y “ya no habrá más canciones“.

O mejor sí, que me vengan a llorar, pero que me lloren por Chatroulette, porque es donde voy a pasar el tiempo los viernes por la noche, tocando música con mi mujer, poniéndonos caretas hechas con mi sobrina y mi hija, en vez de estar mirándoles a ellos por la tele o escuchándoles por la radio o leyéndoles esas columnas de plañidera en sus periódicos.

Y dándole al botón de “New Game” en Chatroulette, a ver si conseguimos actuar con Merton.

Henry interpreta “Long and winding road” de los Beatles, la mejor forma de plasmar el camino largo y sinuoso del “Sharpsichord”

Henry Dagg es un “escultor sónico” británico que seguro que el otro día se saltó la clase de Eduardos Arcos sobre la usabilidad de los reproductores de música. Henry acaba de presentar en sociedad, en su taller de Faversham, en Kent, el “Sharpsichord”, una mezcla de arpa con caja orquestal movida por tambor que le ha salido, digamos, un poco grande.

Al igual que las cajas musicales, el “Sharpsichord” funciona por medio de unos remaches ubicados en un cilindro giratorio que hay que mover a mano. Pero al contrario que las cajitas, que ya vienen de serie con la sintonía, el tambor del “Scharpsichord” es programable gracias a los 11.520 agujeros de su cuerpo, que permiten meter clavijas a diestro y siniestro para componer nuevas melodías.

Por ahora sólo tiene una lista de reproducción de 2 canciones y en pasar de una otra se tarda la friolera de casi 24 horas, el tiempo necesario para reubicar los remaches y codificar el nuevo tema. Además, la canción no puede durar más de 60 segundos.

Henry Dagg podría haber concebido su “Sharpsichord” para que reprodujera temas más largos, pero en vez de un atelier hubiera necesitado una nave industrial. Y en vez de contar con la ayuda de un familiar a la manivela, con un ejército de umpa-lumpas que accionara el mecanismo con destreza.

La música del instrumento es amplificada por dos enormes altavoces art-deco de acero inoxidable y para las voces se presta el autor con diligencia. También incorpora un panel solar que hará su función cuando Henry dote a su obra de un motor, el sustituto natural de la tracción a mano de esta versión beta.

El “Sharpsichord” fue un encargo de 30.000 € de la Big Lottery Fund para construir una escultura musical que representara la danza folklórica inglesa y debía colocarse en el jardín de la Song Society en Londres durante 2006. Con cuatro años de retraso, y tras ver Henry en que se ha convertido su escultura, se busca una nueva ubicación para la obra ya que no resistiría las inclemencias meteorológicas de los exteriores.

Se trata de un imperativo del autor, que antes que escultor fue ingeniero de sonido de la BBC y ve en el “Sharpsichord” su obra cumbre vital.

“Tengo un gran amigo que realmente entiende de estas cosas. Es muy buen ingeniero y un artesano de verdad. Así que un día vino a ver la obra, se acercó, la miró y dijo:” Esto es una sinfonía del dolor”. Entonces comprendí la cantidad de sangre, sudor y lágrimas que había vertido sobre ella”

Pinche aquí para ver el vídeo

Vía BBC

David Bowie cumplió 63 años el 8 de enero pasado y dicen las malas lenguas que anda algo pachucho y tristón. Apenas se le ha visto u oído en los últimos 5 años, por eso este regalo es un auténtico lujazo: el artista nos da su mirada exclusiva de la música que escucha a diario para celebrar el lanzamiento de “A Reality Tour”, el álbum doble en vivo remasterizado de su aclamada gira mundial del 2003-4.

Posiblemente no haya un autor vivo tan influyente en la historia de la música rock, por eso conocer el contenido del iPod del Camaleón es adentrarse en un mundo sólo apto para visionarios y abiertos de orejas.

David Bowie ofrece una selección tan ecléctica como sorprendente de las canciones más pinchadas en su reproductor durante el último mes. Hiladas sin orden aparente, pero justificadas por escrito, Bowie se ha prestado a analizar su lista en las páginas de “The Guardian”, explicando cómo es capaz de mezclar a Rufus Wainwright con la música del Ejercito Popular Chino (o cómo puede pasar de los lejanos sonidos de África a la vanguardia disco del difunto Arthur Rusell) y quedarse más ancho que largo.

Si quieres escuchar la lista de reproducción en Spotify, sólo tienes que pinchar aquí. Ya tardas en decirnos lo que te parece y si, realmente, su tristeza vital se refleja en sus gustos musicales.

Al teléfono móvil todavía le falta un buen trecho para ser considerado un equipo de audio en condiciones. Pocos adultos utilizan los altavoces internos de sus terminales para reproducir música, dada la mala calidad del sonido.

Existe un truco que permite mitigar este problema y reproducir audio en el teléfono con cierto nivel. Consiste en meter el terminal en un vaso de cristal y darle al play. La mejora que se logra es realmente sorprendente, con un claro aumento del volumen y los graves por la caja de resonancia que forma el cáliz.

Además, dependiendo de la forma del vaso y de la dureza de la superficie sobre la que se apoye, se puede aumentar aún más la calidad. El caso es combinar forma y soporte para dar con el punto óptimo.

Yo he probado con varios vasos y recipientes y el que mejor me suena es la pinta de IKEA sobre la encimera de granito, gracias a que el teléfono se atora en la mitad sin tocar el suelo del vaso, por lo que parece que el sonido se amplifica con mayor fluidez.

Incluso se puede escuchar la música del teléfono poniéndolo en un vaso encima de la bañera de latón: la música se escucha por encima del agua durante la ducha calentita, que ya es decir.

Sólo hay que tomar dos precauciones para no acabar una sesión de teléfono en vaso con amargura:

1- Asegurarse que el vaso está totalmente vacío de líquido.

2- No intentar meter teléfonos muy potentes en copas de cristal muy fino, que luego vienen las desgracias.

O las gracias.

Pinche aquí para ver el vídeo

Visto en Lifehacker

La Greener Gadgets Conference es un evento que se celebra anualmente en EE UU desde 2008 –la edición de 2010 comenzará el 25 de febrero–, y está enfocada en todo aquello que tenga que ver con lograr que la tecnología sea lo más sostenible posible, y en cómo alcanzar la sostenibilidad a través de la tecnología.

Las charlas tratan sobre cómo se utiliza la energía y como puede lograrse una mayor eficiencia energética (mejor aprovechamiento de ésta) así como exposiciones sobre innovaciones y avances para conseguir que los dispositivos electrónicos sean más limpios y respetuosos con el entorno a lo largo de todas sus etapas, desde el diseño, la utilización de materiales y los procesos de fabricación, pasando por el empaquetado y distribución y, por supuesto, su recuperación y reciclado al final de su vida útil.

También hay conferencias y debates sobre cómo la tecnología, en todos sus niveles, puede ayudar a aprovechar mejor mejor la energía y reducir el consumo de las materias primas, con especial atención al uso de energías renovables o alternativas, el aprovechamiento de los recursos y la reducción de residuos, emisiones y desechos contaminantes.

Uno de los aspectos más interesantes –y divertido– de la Conferencia es el Greener Gadgets Design Competition, toda un estímulo para dar rienda suelta a ideas relacionadas con el diseño y el desarrollo de conceptos y prototipos de productos diseñados teniendo en mente conceptos como el ahorro, la eficiencia y la sostenibilidad, pero sin olvidar que resulten prácticos y útiles.

El objetivo es idear cómo debería ser la tecnología cuando se concibe con las premisas del ahorro y la eficiencia.

En la pasada edición, la correspondiente a este año 2009, se vieron diseños realmente ingeniosos, casi todos ellos de dispositivos sencillos que casi cualquier persona podría idear, pero todo ellos originales formas de reinventar o reinterpretar –con el ahorro energético en mente– objetos comunes: una persiana, un grifo, un interruptor o un enchufe.

Algunos ejemplos de diseños e ideas presentadas a concurso y que más votos obtuvieron en la última edición son estos:

Blight, una persiana cuyas lamas son pequeños paneles solares flexibles (paneles de película, más ligeros y baratos que los de cristal) que captan la luz del sol a la vez que impiden que éste entre durante el día. La electricidad obtenida se utiliza para convertir la persiana en una lámpara que da luz durante la noche.

Blink consiste en un enchufe con un sensor fotosensible que interrumpe el paso de corriente cuando detecta la luz solar. De este modo puede desconectar automáticamente las lámparas cuando no son necesarias.

BugPlug, similar al anterior, corta el consumo de electricidad cuando detecta que no hay nadie en una habitación. De este modo puede apagar las lámparas o el televisor cuando por la ausencia de movimiento interpreta que la habitación está vacía. O cuando te has quedado dormido viendo la tele.

Bware Water Meter, un pequeño contador de agua que se puede colocar en cualquier grifo para visualizar los litros utilizados en una ducha, grifo de mano o cada vez que se tira de la cisterna; probablemente podría ser mecánico (o siendo electrónico, incorporar una alarma cuando se consume una cantidad predeterminada), pero la idea es muy buena como método para concienciar sobre el consumo de agua.

HydroWind, generador portátil para campistas; puede generar electricidad suficiente para encender una pequeña luz por la noche, tanto utilizando el viento como una corriente de agua cercana, un riachuelo, por ejemplo. Dispone también de una toma USB para cargar pequeños gadgets, como reproductores de música o teléfonos móviles.

Power Plugs, enchufes para el Siglo XXI. Añadir un par de tipos de enchufe a los convencionales de 240 voltios (los habituales en casas y oficinas) con potencias adecuadas para hacer funcionar directamente dispositivos electrónicos tales como ordenadores portátiles, teléfonos móviles, routers, televisores y pantallas TFT,… es decir, todos aquellos que tengan que hacer uso de un transformador o de pilas para funcionar; de ese modo se reduciría el consumo de pilas y el uso de transformadores, con el consumo que éstos suponen incluso cuando están enchufados pero no se está utilizando.

SmartSwitch, un interruptor inteligente que interviene en el acto reflejo de encender la luz. El SmartSwitch modifica su dureza en función del consumo total que hay en un momento dado en la casa o de la red general. Por ejemplo, en horas pico ofrece más resistencia al encendido, consiguiendo que nos paremos a pensar si realmente necesitamos o queremos encender esa luz. Para que funcione debería ir ligado a las redes eléctricas inteligentes que ya se están empezando a desarrollar.

The Inlet-Outlet, el enchufe que devuelve electricidad sobrante a la red eléctrica: por ejemplo si la vivienda dispone de paneles solares cuya electricidad no se esté utilizando; o la obtenida gracias al calor producido por un horno de cocina o en una bicicleta estática. Los enchufes de doble dirección suministran electricidad igual que los convencionales, pero también permiten devolver electricidad a la red eléctrica. Esta consideración ya la están contemplando algunos coches eléctricos, como el prototipo Mitsubishi PX-MiEV.

Vampire Plug, brillante por simple y efectivo: un enchufe al que se le ha acoplado un temporizador de cocina (como el que avisa cuando la pizza lleva quince minutos en le horno). Una vez cumplido el tiempo establecido (por ejemplo, una hora para cargar el móvil) avisa y además corta la corriente para evitar el consumo eléctrico residual causado por los transformadores.

Se pueden ver le resto de las ideas que recibieron más votos en la página Top 50 Entries del Greener Gadgets Design Competition.

Aunque la mayoría de estos diseños de momento no existen –y probablemente muchos no existirán nunca– pero son un ejemplo de cómo hasta lo más cotidiano puede reinterpretarse si se vuelve para observarlo bajo una nueva óptica o desde la perspectiva de lo aprendido hasta ahora; de cómo un cambio de planteamiento y de educación puede dar lugar a la reinvención de lo común y de cómo nada puede darse por sentado o establecido.

Son sólo una pequeña muestra que enseña que tenemos las ideas y la capacidad para cambiar el modo en el que se han venido haciendo las cosas hasta ahora, y adaptarlas a la lo que estamos aprendiendo sobre cómo podríamos –y deberíamos– hacerlas mejor.

“Fue aterrador. Soy pianista clásica y con los años de estudios una sabe cómo va a sonar cada tecla. De repente, tengo un piano que suena como nada que haya escuchado antes. Se abren tantas opciones que te paralizas”…

Quién habla es Pam Chowhan, pianista profesional y jefa de planificación del Royal Festival Hall, la sede de la Orquesta Filarmónica de Londres. Pam es uno de los tres interpretes que este sábado inaugurará oficialmente, en la Universidad de Surrey, el Fluid Piano, un piano microtonal líquido que lleva 10 años gestándose y que supone la reinvención, 300 años después, de uno de los instrumentos más importantes de la música occidental.

Geoff Smith, inventor y compositor, cree que ha conseguido el primer piano acústico multicultural, un instrumento que permite a los músicos modificar cada nota individualmente en intervalos precisos de menos de un semitono por nota, antes o durante la ejecución. En lugar de un piano con un sonido fijo, 88 notas en 88 teclas, el piano de Smith está dotado de deslizadores que alteran la longitud o la tensión de las cuerdas, lo que permite el acceso a las diferentes escalas que utilizan, por ejemplo, la música tradicional hindú o china.

En buena medida, es como si se hubiera incluido un arpa horizontal dentro del piano. Este piano ha generado mucho interés desde que fue mencionado por primera vez hace seis años, cuando Smith se presentó con no más que una idea y una ambición.

Ahora ya tiene el instrumento real y ha estado recibiendo a los principales pianistas contemporáneos para que lo prueben. “Increíble”, “refrescante” o “fascinante”, son sólo alguno de los adjetivos que dichos interpretes han vertido sobre las bondades de un instrumento que puede emitir cuartos de tono y microtonos, lo que significa que puede jugar con todos los sonidos sutiles que existen entre cada una de las 88 notas.

Pinche aquí para ver el vídeo

Pero la pregunta es ¿están nuestros oídos preparados para todo este universo de microtonos? “Estamos hablando de un mundo sonoro completamente diferente que antes sólo hemos podido escuchar a través de los sintetizadores. Me imagino que las personas que no están acostumbrados a todos estos nuevos sonidos, sólo pueden pensar que el piano se ha desafinado. Será realmente interesante ver la reacción del público”, afirma el pianista británico Rolf Hind, que se apresura en preguntar a su creador “¿Dónde puedo hacerme con uno?”.

De momento, tras su presentación el sábado, en marzo está previsto su primer concierto oficial en Londres. Durante ese tiempo Geoff Smith negociará con los fabricantes de pianos una vez que tenga la patente internacional, que ya ha solicitado después de gastarse todos sus ahorros en el primer prototipo.

El sábado también actuará en el concierto de presentación el pianista de jazz de improvisación Matthew Bourne, que tras probarlo no pudo ser más gráfico en su valoración: “tocar el piano líquido fue como entrar en una enorme tienda de dulces.”

Fuente The Guardian

En un deseo de ganar más cuota de mercado, los fabricantes de alcohol están echado mano de la tecnología en la elaboración de sus etiquetas para que destaquen por encima de las demás. El etiquetado de licores electroluminiscente, más que una frivolité aislada, está camino de convertirse en una práctica habitual para muchos productores.

Estas etiquetas, que comenzaron luciendo promocionalmente en discotecas y pubs varios, han dado el salto a los pasillos de los supermercados para que atraigan a los consumidores hacia determinadas marcas, como las luces de neón de un motel en una fría y oscura carretera.

La recién estrenada campaña de Ballantine’s “Listen to Your Beat” utiliza una botella negra que lleva una etiqueta con un ecualizador gráfico azul, que utiliza la tecnología electroluminiscente para brillar en la oscuridad mientras reacciona a la música que suena en el bar.

Diseñada por el estudio londinense “The Core”, esta etiqueta incorpora un detector de sonido que controla que la iluminación de la botella se ecualice al ritmo de la música, la voz o de cualquier otro sonido.

Estas etiquetas luminosas utilizan una tecnología basada en la electroluminiscencia, un fenómeno que aprovecha la propiedad que tienen algunos materiales de emitir energía lumínica cuando se aplica sobre ellos una corriente eléctrica.

En este caso, la iluminación se consigue aplicando un voltaje a través de una lámina que contiene tintas luminiscentes, dispuesta entre dos electrodos. Esta lámina, extremadamente delgada, conforma la etiqueta y genera luz sin producir calor, que podría degradar las cualidades del bebestible.

Por supuesto, las botellas deben llevar una pequeña batería para que luzcan; o, como en el caso de las de Ballantine´s, una suerte de cargador donde se introducen para ocupar el expositor de bebidas.

Otro ejemplo es la campaña de JB “Mix light” del año pasado, que también iluminaba en rojo las iniciales de Justerini&Brooks, en conjunción con la música, para que todos los habitantes de una zona VIP pudieran divisarlo. También se puede insertar un LED dentro de la botella, como hace la marca de sake Tyku.

En este caso la iluminación se produce cuando se presiona el botón de encendido, haciendo que la luz LED en el interior se active cada vez que haya un cambio de presión en la base de la botella. Así, cada vez que se coja para echar una medida, la luz se enciende y el licor adquiere un color verde pálido con brillo de neón que cautivará a todos los amantes del orujo de hierbas orientales.

Las botellas con esta función de visualización, además de con sensores de sonido y presión, también pueden ser equipadas con sensores de movimiento, que activen los efectos de luz en el punto de venta cuando el consumidor se acerca. Con semejante cualidad, el pasillo de alcoholes del Carrefour se puede convertir en una discoteca en toda regla.

El posible comprador, aunque bombardeado con cientos de mensajes comerciales a diario, al ver la botella iluminarse en “HiLight” quedará prendado de ella, dotándose al producto de un enorme potencial de captura y abriendo un nuevo abanico de oportunidades de promoción que pondrá los pelos de punta a los chicos del Gobierno, que ya tienen bastante cercenado (publicitariamente hablando) al sector de las bebidas espirituosas.

Pinche aquí para ver el vídeo

.

El término supergrupo se utiliza para designar a grupos o bandas de música compuestos por artistas que ya han tenido fama anteriormente en otras agrupaciones o en solitario. Los primeros supergrupos aparecen en los años 60, pero también podemos disfrutar de ellos en nuestros días.  Mi favorito es un grupo llamado “The Traveling Wilburys” (http://www.youtube.com/watch?v=Y-zjFp70esY&feature=related), integrado por George Harrison (Beatles), Jeff Lynne (ELO), Roy Orbison, Bob Dylan y Tom Petty.

.

Poco después de empezar a ensayar decidieron grabar un álbum y lo hicieron en un periodo record de diez días, debido principalmente a la inminente gira de Bob Dylan. El LP se editó y publicó en octubre de 1988 bajo varios seudónimos que les unirían como supuestos hermanos de Charles Truscott Wilbury Sr, y sería incluido más tarde en el puesto #79 de la lista de los 100 mejores discos de los 80´s publicada por la revista musical Rolling Stone. Posteriormente, sería nominado como Álbum del Año a los Grammy.

.

Tras la muerte de Roy Orbison se separaron, pero sus discos se reeditaron en el 2001 en formato CD,  y de forma sorprendente, la reedición de los álbumes de “Traveling Wilburys” debutó en el primer puesto de las listas británicas. En Estados Unidos, la colección alcanzó el puesto #9, mientras en Australia y en las tiendas Amazon e iTunes se alzaba hasta el primer puesto. Durante las primeras tres semanas, la compilación superó la cifra de 500.000 copias vendidas.

.

“The Dirty Mac” fue un supergrupo inglés que contaba con la participación de John Lennon (Beattles), Eric Clapton(Cream), Keith Richards (Rolling Stones) y Mitch Mitchell (Jimi Hendrix Experience)….(http://www.youtube.com/watch?v=LAjdRHzH4M8)

y luego esta lo de “We are the world”, pero en serio… eso es otra historia.

.

El maestro Yan solía decirme: “No desprecies la idea de que el poder del talento llama a más talento, y empléala en cuanto puedas. Cuando estés creando una empresa busca la excelencia, busca a los que son mejores que tu, y mejor si son mucho mejores,  porque en cuanto estén contigo pondrán en funcionamiento la ley de la atracción del talento y habrá muchos más que quieran unirse a tu proyecto y podrás conseguir objetivos infinitamente mas grandes. Recuerda que para bien o para mal, todo se pega menos la belleza y que el éxito de una empresa es proporcional al talento que es capaz de agrupar”, ¡casi nada! Supongo que los “Traveling Wilburys” son un ejemplo de esto y de que no solo nos movemos por dinero sino por la ilusión de pertenecer a algo mas grande, y ese algo solo se abarca con gente a tu lado a la que seas capaz de admirar.

.

El talento se puede considerar realmente como un potencial, una serie de aptitudes especiales que tiene la persona que se pueden desarrollar, amplificar y desplegar de formas diferentes y que, por lo tanto se pueden ejercitar o simplemente dejar en estado latente de por vida. Aunque la definición general de talento presupone unas aptitudes o un conjunto de aptitudes de destrezas sobresalientes con respecto a un grupo, se por experiencia que detrás de cada talento hay también, en la mayoría de los casos, mucho trabajo y ejercicio continuo. Luego hay “genios”, claro, pero eso es otra cosa, al igual que es otra cosa el que se tenga talento y se sea una buena persona o una persona capaz de trabajar en equipo por el bien de un proyecto.

.

Trasladando esta idea a otras áreas de la empresa, tendríamos que hablar de responsabilidad y responsables. Una empresa o un proyecto se define por muchos parámetros, pero pocas cosas definen mejor a un líder o a alguien que quiere dirigir un proyecto que la manera en la que gestiona el talento de las personas a su alrededor. Están los que quieren ser más brillantes que su equipo y están los que quieren estar en el equipo más brillante. Yo solo trabajo con los segundos.

.

Tom Zito un reportero del Washington Post cuenta que en 1983 estaba escribiendo un libro sobre el origen de la industria de la informática para lo que Steve Jobs le había dado carta blanca para pasearse por Bandley e informarse sobre el día a día del desarrollo de Mac. Recuerda que en una ocasión durante una reunión con unos 25 de sus empleados, Steve Jobs les explicaba el secreto para contratar y crear grandes equipos:

.

“A players hire A players,” he said. “B players hire C players. Do you get it?”

.

Los jugadores de clase A contratan a jugadores de clase A, los jugadores de clase B, contratan jugadores de clase C. Qué gran consejo. Solo reconociendo tu propia capacidad de aprender de otro con igual o más talento es como se consiguen grandes equipos, y si el talento es algo que se puede desarrollar, es evidente que eso debería ser una obligación. Si trabajas con gente de talento te esfuerzas en sacar lo mejor de ti, y se consiguen mucho mejores resultados de equipo. Por otra parte, un trabajo en el que se involucra a mucha gente con talento tiene más posibilidades de éxito y, si se ensalza tu trabajo te sientes motivado a seguir en ello, todo un circulo vicioso.

.

A fin de cuentas, detrás de toda organización creativa y competitiva,  lo que hay son personas. El cómo se gestionen esos recursos humanos, es lo que hace que una organización sea sostenible, y en muchos casos, rentable. Y para ello, habrá que tener presente que las personas necesitan de otras personas para interactuar y, sobre todo, para mejorar y llegar lejos. Y es ahí donde se hace realidad eso de que Talento llama Talento.